فهرست مطالب

نشریه تئاتر
سال نهم شماره 90 (پاییز 1401)
- تاریخ انتشار: 1401/12/21
- تعداد عناوین: 6
-
-
صفحات 14-27
بازیگری مستلزم آموزش تکنیک و مهارت است. با پذیرفتن این مسیله که روشهای آموزشی زیاد نیستند و تمام تیوریها در طی یک قرن اخیر به «سیستم استانیسلاوسکی» ختم میشوند، بسیاری از مربیان، کارگردانان و پژوهشگران، روشها را در هم میآمیزند تا به شیوهای منحصربهفرد دست پیدا کنند. درست مانند تاثیری که لی استراسبرگ، استلا آدلر و سنفورد مایسنر از استانیسلاوسکی پذیرفتند و نحلهای جدید بهنام متداکتینگ در آمریکا پایهگذاری کردند. از آنجا که هدف پژوهش حاضر بررسی تحلیلی خلق شخصیت براساس تکنیکهای عملی تری شرایبر است، این سوال پیش میآید: شرایبر که ادامهدهندهی سیر تکوینی متداکتینگ است چه راهکارهای جدیدی به بازیگران ارایه میدهد؟ در آموزش شرایبر درک این اصل مهم است که او به ترکیب دو مکتب فکری «مشی از درون به بیرون» و «چه میشود اگر...» باور دارد و اعتقاد دارد این دو، وسیلهای برای رسیدن به یک هدف را در خود جای دادهاند؛ کمک به بازیگران تا ابزارهای خود را فعال کنند، بر نیروی تخیلشان بیفزایند و بهاین ترتیب توانایی خود را بسط دهند. شرایبر جعبهای از ابزارهای مناسب در اختیار بازیگران قرار میدهد. یعنی تنوع بینهایتی از تمرینات که به بازیگران کمک خواهند کرد تا شخصیت یک نقش را واکاوی کنند. هدف این است تا هر بازیگری «چگونه کار کردن» روی خودش را درک کند و به موفقیت دست یابد. دریافت شرایبر آن است که هر بازیگر بسته به فردیتش بهروشی متفاوت، میتواند نهایت استعدادهایش را شکوفا کند. او اعتقاد دارد نه سیستم، نه متد و نه هیچ تکنیک دیگری برای همه کاربرد یکسانی ندارند. پس بازیگر را بههیچ الگوی خاصی محدود نمیکند و بازیگرانی چندزبانه تربیت میکند، به این منظور که بازیگران با گسترش ابزارهای مهارتی و تکنیکی خود، اعتماد بهنفس لازم برای بازی در هر موقعیتی را داشته باشند. بنابراین ابداع، خلاقیت، نوآوری همراه با خطر کردن مولفههای مهم در فرایند آموزشی او هستند و مهم است که هر بازیگر رشد خلاقانهای داشته باشد. شرایبر به اکتشافات و تجربیاتی پرداخته است که جزو ایدههای نو در شصت سال اخیر آموزش بازیگری هستند. در چنین رویکردی تمامی کار کلاس در مورد بررسی، کشف و یادگیری است و ساختار تمرینات بههیچ عنوان تصادفی نیستند. این روش آموزشی بهمنظور آمادهسازی کامل بازیگر برای حضور در فضای حرفهای طراحی شده است؛ بازی با ترکیبی از عقل و غریزه. پژوهش حاضر، به روش توصیفی تحلیلی شیوهی گردآوری اطلاعات کتابخانهای انجام شده است. تجزیه و تحلیل دادهها بهصورت کیفی است و برای انتخاب آزمودنیها از روش نمونهگیری غیرتصادفی استفاده شده است.
کلیدواژگان: تکنیک بازیگری، تری شرایبر، آموزش و پرورش بازیگر -
صفحات 30-40
ارسطو فیلسوف مشهور یونانی در رسالهی «فن شعر» بررسی «تراژدی» را محور کار خود قرار داد اما در هیچ یک از فصول بیست و ششگانه این رساله برای «خدایان» نقشی در تراژدی و اصول مربوط به آن قایل نشد. در این نوشتار تلاش شده است با نگاهی به رساله متافیزیک و اخلاق نیکوماخوس، دیدگاه ارسطو نسبت به «خدایان» در رساله فن شعر مورد بررسی قرار گیرد. یافتههای این تحقیق که میتوانند مورد استفادهی تراژدیپژوهان، منتقدین و تحلیلگران آثار نمایشی قرار گیرند نشان میدهند که با وجود نقش دارای اهمیت «خدایان» در وقایع تراژدیها، میتوان اندیشه انسانمحور، نگاه واقعگرا و عقلانی ارسطو به پدیدههای جهان براساس اصل احتمال و ضرورت را از جمله دلایل نادیده گرفتن جایگاه خدایان در رساله «فن شعر» برای تکوین الگوی تراژدی مورد نظر ارسطو در نظر گرفت. روش بهکار گرفته شده توصیفی تحلیلی است و از منابع کتابخانهای برای جمعآوری دادهها استفاده شده است.
کلیدواژگان: ارسطو، فن شعر، خدایان، تراژدی یونانی -
صفحات 42-61
یکی از گفتمانهای بینارشتهای که در ادبیات نمایشی و در میان نمایشنامهنویسان ایرانی تاثیر بسزایی دارد، گفتمان شرقشناسی و بهویژه «شرقشناسی وارونه» است. شرقشناسی وارونه برخلاف شرقشناسی که شرق را از چشمانداز غربیان تعریف میکند میخواهد شرقیان خویشتن خویش را بشناسند و به صورتبندی غرب، که ذاتا متفاوت و در تضاد با ارزشهای اصیل و حقیقی شرق است، بپردازند و در برابر بسط و سیطرهی مدرنیته از شرق اصیل حفاظت کنند. متاثر از این رویکرد، از دههی 1340 خورشیدی، نمایشنامههایی پدید میآمدند که نمایانگر ارزشهای شرقی در برابر غربی بودند و آن ارزشها را از طریق «کلام، اعمال و اشیاء» آشکار میکردند. با تسلط شرقگرایی بر اندیشهی نمایشنامهنویسان، تصویری که از بدن شخصیتها در ادبیات نمایشی ایران ارایه میشود نیز از این رویکرد مستثناء نیست و بر مبنای شرقشناسی وارونه، بدن شخصیتها ارزشی ایدیولوژیک به خود میگیرد. از طرفی توجه و تمرکز بر بدن ایدیولوژیک در ادبیات نمایشی ایران آشکارکنندهی وجه ایدیولوژیک نمایشنامه است؛ معمولا در پژوهشهای صورت گرفته درباره نمایشنامهنویسی ایران اغلب بر روی زبان، روایت و شخصیتپردازی تمرکز میشود و توجه به بازنمایی بدن در متن نمایشنامه، که درواقع نخستین پدیداری است که انسان از طریق آن عالم و جهان خارج را ادراک و بهواسطهی آن اندیشه و افکار خود را بیان میکند، مورد غفلت قرار میگیرد. بر این مبنا و براساس گفتمان شرقشناسی وارونه، ادبیات نمایشی ایران نیز وارد جدال ایدیولوژیک میان شرق و غرب شد و در اندیشهی حاکم بر آثار هم تاثیرگذاشت و نمود یافت. این نمودها نهتنها در زبان و ایدههای موجود در اثر بلکه در تصویر و توصیفاتی که نمایشنامهنویسان از بدن شخصیتها ارایه میکنند و نشانههایی که شخصیتها بر بدن خود حمل میکنند، قابلتحلیل است. در این مقاله ضمن بسط این جدال ایدیولوژیک میان شرق و غرب با محوریت بدن، به بررسی موردی سه نمایشنامهی جعفرخان از فرنگ آمده (1300) اثر حسن مقدم، موش (1342) اثر بهمن فرسی و آهسته با گل سرخ (1364) اثر اکبر رادی که در سه دورهی تاریخی پس از انقلاب مشروطه، آغاز صنعتی شدن و پس از انقلاب اسلامی نگاشته شدهاند و آشکارا و نهان تضاد ایدیولوژیکی ارزشهای شرقی و غربی را موردتوجه قرار دادهاند، خواهیم پرداخت.
کلیدواژگان: گفتمان شرق شناسی، بدن ایدئولوژیک، ادبیات نمایشی ایران، حسن مقدم، بهمن فرسی، اکبررادی -
صفحات 64-82
یونگ بر این اعتقاد است که بسیاری از خشونتها ناشی از عقدهها، کمبودها و بیرحمیهایی هستند که در اثر شرایط محیطی، اجتماعی و اقتصادی، بر روح انسان تحمیل میشوند و نیمه تاریک (سایه) را در آدمی تقویت میکنند و در نهایت منجر به بسیاری از ناهنجاریها در رفتار انسان میشوند. همچنین تیاتر اکسپرسیونیستی تیاتری است که با استفاده از نورپردازی سایهدار و غیرواقعگرایانه، رنگهای تند و احساسبرانگیز، گفتوگوهای مقطع و تشنجآمیز و حرکات اغراق شده در صدد ایجاد فضایی کابوسوار و رویاگونه است تا به این شکل ذهنیات، تصورات، هیجانات درونی و عواطف آدمی را به تصویر بکشد. بنابراین در این پژوهش سعی بر آن است که با تلفیق ویژگیهای تیاتر اکسپرسیونیستی با آموزههای علم روانشناختی یونگ از جمله سایه، کهن الگوها و ضمیر ناخودآگاه شخصی و جمعی تیاتری ارایه شود که مخاطب در ناخودآگاه خود پلیدی آزارهای روانی و خشونتهای پنهان را تجربه کند و با درک صحیح از این رفتار این تیاتر میتواند در اصلاح و کاهش خشونتهای روانی موثر باشد. روش تحقیق در این پژوهش به صورت تحلیلی توصیفی است و با تحلیل نمایشنامهی پدر اثر آگوست استریندبرگ نشان میدهد که خشونت در شخصیتهای اصلی نمایش ریشه در دوران کودکی، اتفاقات تلخ گذشته، رفتار متقابل شخصیتها با یکدیگر و ستمهایی که در طول تاریخ مردان بر علیه زنان و یا برعکس انجام دادهاند و در حافظهی جمعی زن و مرد ثبت شده است، دارد. با این تفاسیر تیاتری ارایه شد که با الگو گرفتن از نقاشیهای اکسپرسیونیستی با چهرههای تغییر یافته و ویژگیهای این تیاتر و استفاده از کهنالگوهای خشونتآمیز از دیدگاه یونگ از جمله استفاده از نقابهایی با دهان باز و خشمگین که تداعیکنندهی چهرهیمکار در ناخودآگاه انسان هستند و با بهرهگیری از صحنههای نیمه تاریک و ارایه و بازنمایی سایهها و اشباح سعی میکند در فضایی وهمآلود، ذهنیات، هیجانات درونی و عواطف شخصیتهای اصلی (کاپیتان و لورا) و چگونگی اضمحلال روحی و روانی آنها را به نمایش بگذارد. در نتیجه مخاطب با مشاهدهی این نوع از تیاتر میتواند با کهنالگوهای خشونتآمیز که در ناخودآگاه او وجود دارند ارتباط برقرار کند و آسیبهای موجود در این نوع از خشونت را با تمام وجود لمس کند و رذالتهای موجود در آن را تجربه کند و با شناخت و درک آن به اصلاح و کاهش خشونتهای روانی بپردازد.
کلیدواژگان: خشونت روانی، تئاتر اکسپرسیونیستی، کارل گوستاو یونگ، سایه، کهن الگوها، آگوست استریندبرگ -
صفحات 84-103
تیاتر خیابانی در ذات خود با هنرهای موزهای و به اصطلاح «نخبهگرا» فاصلهی معناداری دارد. هنرمندان تیاتر خیابانی باید تیاتر را نه صرفا بهعنوان یک هنر، بلکه همچون ابزاری برای گشودن راههای صلح و پادقدرتی برای جنگ با تبعیض و نابرابری به کار گیرند. تیاتر خیابانی باید صدای افراد و گروههایی را به گوش برساند که به مجراهای رسانههای اصلی دسترسی ندارند اما میخواهند دیدگاه و عقاید خود را دربارهی موضوع معینی بیان کنند. این تیاتر میتواند با انتقال افکار و عقاید بدیل و خلاف جریان حاکمه کارکرد سیاسی اجتماعی موثری در جامعه ایفا کند و برای ایجاد تغییر مثبت در زندگی تمامی افراد متعهد شود و با بهرهگیری از نیروی مشارکت جمعی که قوهای حیاتی در سرشت بشری است، شرایط نامطلوب حاکم بر جامعه را واکاوی کند و افراد جامعه را ترغیب کند که برای دستیابی به رشد جمعی دستبهکار شوند. در این پژوهش با استفاده از روشهای گردآوری اطلاعات یافتهاندوزی کتابخانهای و مشاهده میدانی نمایشهای اجرا شده در یازدهمین جشنواره تیاتر خیابانی شهروند لاهیجان تلاش شده است که با رویکرد توصیفی تحلیلی به بررسی امکانات پادقدرتی تیاتر خیابانی پرداخته شود و نشان داده شود که هنرمندان باید با بهکارگیری ظرفیتهای این گونهی نمایشی خود را از سلطهی فرهنگی نهادهای قدرت که ارزشهای هنری مطلوب خود را به جامعه دیکته میکنند، رها سازند و به رشد جامعه در بسیاری از جهات نظیر اجتماعی، سیاسی، آموزشی و فرهنگی یاری رسانند.
کلیدواژگان: تئاتر خیابانی، پادقدرت، تئاتر سیاسی، جشنواره تئاتر خیابانی شهروند لاهیجان -
صفحات 106-123
مقالهی حاضر که به روش کیفی و توصیفی تحلیلی نوشته شده است سعی دارد با نگاهی انتقادی، یاس و ناامیدی را از منظر فلسفهی امید مارسل در یکی از آثار نمایشی ساعدی واکاوی کند. یاس و ناامیدی از جمله مفاهیمی است که پس از برخورد ایران و تمدن جدید در آثار برخی از نویسندگان ایرانی قابل مشاهده است. از این رو غلامحسین ساعدی نمایشنامههایی با محور جامعه متوسط شهری ایران نگاشت و لایههای یاس را در زندگی جامعه ایرانی زمانهی خود به نمایش گذاشت. از طرفی دیگر، گابریل مارسل، فیلسوف مسیحی و نمایشنامهنویس فرانسوی در برخورد با یاس برآمده از جنگهای جهانی و فروپاشی نظامهای فلسفی، امکانات فلسفهی امید خویش را برای عبور از یاس و ناامیدی حاصل از اتفاقات نیمه اول قرن بیستم نیل به تعالی انسان به نحوی انضمامی تعریف کرد. حال پرسش اصلی این پژوهش چگونگی نقد و بررسی مولفههای یاس و ناامیدی موجود در نمایشنامهی رگ و ریشه دربدری اثر غلامحسین ساعدی با تکیه بر فلسفهی امید گابریل مارسل است و اینکه چگونه با تکیه بر مفاهیمی مانند دیالکتیک امید، متافیزیک امید و امید مطلق میتوان مولفههای یاس در نمایشنامه رگ و ریشه دربدری ساعدی را مورد واکاوی قرار داد؟ همچنین در این جستار به چگونگی ارایهی راهکار برای تعالی و امید در شخصیتهای نمایشنامه با تکیه بر فلسفهی امید مارسل پرداخته میشود.
کلیدواژگان: فلسفه ی امید مارسل، یاس و ناامیدی، آثار نمایشی ساعدی، نمایش نامه رگ و ریشه دربدری
-
Pages 14-27
Acting requires technical and skill training. Accepting the fact that there are not many educational methods and all theories end up with the “Stanislavsky system” during the last century, many teachers, directors and researchers mix methods to achieve a unique method. Just like the influence that Lee Strasberg, Stella Adler and Sanford Meissner received from Stanislavsky and founded a new method called method teaching in America. Since the aim of the current research is to analyze the character creation based on Terry Schreiber’s practical techniques, this question arises, what new solutions does Schreiber, who continues the formative process of teaching, offer to actors. In Schreiber’s education, it is important to understand this principle that he believes in the combination of two schools of thought, “Going from the inside out” and “what if...” and believes that these two contain a means to reach the same goal; Helping actors activate their tools, increase their imagination and thus expand their abilities. Schreiber provides actors with a box of suitable tools. It means an infinite variety of exercises that will help actors to analyze the character of a role. The goal is for every actor to understand “how to work” on himself and achieve success. Schreiber’s understanding is that each actor can develop his talents in a different way depending on his individuality. He believes that neither the system, nor the method, nor any other technique, have the same application for everyone. Therefore, it does not limit the actor to any specific model and trains multilingual actors. In order for the actors, by expanding their skill and technical tools, to have the necessary self-confidence to play in any situation. Therefore, invention, creativity, innovation along with taking risks are important components in his educational process and it is important that every actor has creative growth. Schreiber has discussed discoveries and experiences that are among the new ideas in the last sixty years of acting education. In such an approach, all the work of the class is about investigation, discovery and learning, and the structure of the exercises is not random in any way. This training method is designed to fully prepare the actor to appear in a professional environment. A game with a combination of intellect and instinct. The current research is in terms of descriptive-analytical method and in terms of the method of collecting library information. Data analysis is qualitative and non-random sampling was used to select subjects.
Keywords: acting technique, Terry Schreiber, actor education -
Pages 30-40
Aristotle, the famous Greek philosopher, discussed tragedy in poetics but he did not care the ”Gods”. While historical studies show that the “gods” play an important role in tragedy. In this study، we try to determine the causes of ignoring the “gods” in tragedy with Aristotle. The method is descriptive-analytical and library resources have been used. The result of this study shows in spite of the important role of the gods in tragedies , the causes of ignoring the role of the gods in the event of tragedy by Aristotle are: realistic, logical and rational view of world phenomena and as well as belief in man as a creature of intellection and choice.
Keywords: Aristotle, Poetics, Gods, Tragedy -
Pages 42-61
One of the interdisciplinary discourses that have a great influence in dramatic literature and among Iranian playwrights is the discourse of Orientalism and especially “ Orientalism in Reverse.” Orientalism in Reverse, unlike Orientalism, which defines the East from the perspective of the Westerners, wants the Orientals to know themselves and deal with the formation of the West, which is inherently different and in conflict with the original and true values of the East, and protect the original East against the expansion and dominance of modernity. Influenced by this approach, since the 1340s, plays have emerged that represent eastern values against western ones and reveal them through “words, actions and objects.” By the dominance of orientalism on the thought of playwrights, the image of the characters’ bodies represented in Iranian dramatic literature is not excluded from this approach, and, based on the Orientalism in Reverse, the characters’ bodies take on an ideological value. On the other hand, focusing on the ideological body in Iranian dramatic literature not only reveals the ideological side of the play, but usually in the studies conducted on Iranian playwriting, they often focus on language, narrative and characterization, and paying attention to the representation of the body in the text of the play, which is actually the first phenomenon through which man perceives the outside world and expresses his thoughts, has been neglected. On this basis and based on the discourse of Orientalism in Reverse, Iran’s dramatic literature also entered into the ideological conflict between East and West, and this had an impact on the ruling thought of the works. These manifestations can be analyzed not only in the language and ideas in the work, but also in the images and descriptions that the playwrights provide of the characters’ bodies and the signs that the characters carry on their bodies. In this paper, while explaining this ideological conflict between the East and the West centered on the body, three plays of Jafar Khan Came from the West (1300) by Hasan Moghadam, Mouse (1342) by Bahman Forsi, and Slow with Rose (1364) by Akbar Raadi, which were written in three historical periods after the constitutional revolution, the beginning of industrialization, and after the Islamic revolution, and which openly and covertly focus on the ideological conflict of Eastern and Western values, will be examined.
Keywords: The discourse of Orientalism, The ideological body, Iraniandramatic literature, Hasan Moghadam, Bahman Forsi, Akbar Raadi -
Pages 64-82
Jung believes that most violence stems from complexes, losses, and injustices that burden the human soul resulting from environmental, social, and economic conditions, strengthening the dark side (the shadow) in a person and eventually leading to numerous disorderly conducts. Moreover, the Expressionist theater is a theater that intends to create a nightmarish and dreamy ambiance with the use of shadowy and unrealistic lighting, bright and stimulating colors, staccato, and convulsive dialogues in order to depict the mentality, imagination, inner passions, and emotions of humans. Therefore, this study aims to combine the characteristics of Expressionist theater with the psychological teachings of Jung, including the shadow, archetypes and personal and collective unconscious, and produce a theater through which the audience experiences the vices of mental abuse and hidden aggressions; thus, this theater can be effective in the modification and amelioration of mental abuse by developing a proper understanding of this conduct. The research method in this research is analytical-descriptive, An analysis of the play “The Father” by August Strindberg shows that violence in the main characters stems from their childhood, unfortunate past events, the interaction between the characters, and the injustices done by men against women or visa-versa throughout history and recorded in the collective unconscious of women and men. With these interpretations, a theater was presented, modeled after expressionist paintings with deformed faces and the characteristics of this theater and their use, including the use of masks with open and angry mouths that evoke the cunning face in the human unconscious. And by using semi-dark scenes and by presentation and representation shadows and ghosts, it has been tried to show the mentalities, inner emotions and emotions of the main characters (Kaapitan and Laura) and how they deteriorate mentally and psychologically. As a result, by watching this type of theater, the audience can communicate with the violent archetypes that exist in his subconscious. and touch the damage in this type of violence with all his being and he experiences the vices in it And by knowing and understanding it to correct and Reduce psychological violence.
Keywords: Psychological Violence, Expressionist Theater, Carl Gustav Jung, the shadow, Archetypes, August Strindberg -
Pages 84-103
Street theater is inherently different from the museum or socalled elite arts, and its artists use theater not as mere art, but as a tool working toward peace and as a counter-power in the fight against discrimination and inequality. Transcending the confines of the playhouse, street theater expands its scope of influence over streets and communities and goes beyond the traditional rules of the classical stage to establish a deeper connection with different audiences. Street theater is the voice of those who are cut off from mainstream media channels but still want to express their views. Street theater conveys alternative voices and beliefs, performs an effective socio-political function in society, and promises to make a positive change in the lives of everyone. It uses the power of collective participation—a vital force in human nature—to explore the adverse conditions in society and encourage individuals to make an effort to achieve collective growth. This study aimed to review the counter-power potentials of street theater. The results show that artists can employ the potentials of this theatrical form to free themselves from the cultural dominance of power institutions that dictate their own artistic values and contribute to the growth of society in social, political, educational, and cultural terms.
Keywords: Street Theater, counter-power, Political theatre, AppliedArt -
Pages 106-123
The present article, which is written in a qualitative and descriptiveanalytical method; It tries to critically analyze hopelessness and despair from the perspective of Marcel’s philosophy of hope in one of Saedi’s plays. Despair and hopelessness are among the concepts that can be seen in the works of some Iranian writers after the collision between Iran and the modern civilization. Therefore, Gholamhossein Saedi has written plays centered on the average urban society of Iran and has displayed the layers of despair in the life of the Iranian society of his time. On the other hand, Gabriel Marcel; The Christian philosopher and French dramatist, faced with the despair caused by the world wars and the collapse of philosophical systems, defined the possibilities of his philosophy of hope to overcome the despair and hopelessness which were as result of the events of the first half of the 20th century, to achieve human excellence in a concrete way. Now, the main question of this research is how to criticize and investigate the components of despair and hopelessness in the play Root of misery by Gholam Hossein Saedi, relying on Gabriel Marcel’s philosophy of hope, And how, relying on concepts such as the dialectic of hope, the metaphysics of hope, and absolute hope, can we analyze the components of despair in the play Root of misery? Also, in this essay, it is discussed how to provide a solution for excellence and hope in the characters of the play, relying on Marcel’s philosophy of hope.
Keywords: Marcel’s Philosophy of Hope, Despair andhopelessness, Saedi, s Play, Root of misery